孔培培

回望百年历史，几乎没有一种艺术形式像戏曲艺术这样，始终与现代化转型的话题纠葛缠绕。从20世纪前半叶从业者自发的改良实践，到新中国成立后政策主导下的“戏曲改革”，再到21世纪以来整个戏曲生态链条的现代化推进，其核心与焦点就在于如何让这门古老的艺术形式以当代观众认可的形式“活”下来、“火”起来。面对日益深刻的现代化转型，边界之问、技艺之困、流量之惑成为影响戏曲发展的三个关键问题。

首先，这还是戏曲吗——关于本体消解的焦虑。

改到什么程度还是戏曲？越过了哪条线就不再是戏曲了？确定一项艺术形式的“本体边界”既是讨论开展的基础，也是容易引发争议的焦点。戏曲的本体特征是以演员表演为中心的程式化艺术，表演艺术的“四功五法”构成了戏曲塑造人物的基础语言，也构成戏曲最重要的本体边界。再新颖现代的表演手段也须转化为戏曲的四功五法来表现，这就划清了戏曲与歌舞剧、音乐剧的界限。紧接着是虚拟性与程式化的美学边界。虚拟性与程式化是戏曲不断从生活中总结提炼、夸张放大而形成的美学追求和艺术手段，其艺术落脚点依然是对演员中心制的强化。要实现以一当百、以虚代实，必须依靠演员扎实的表演，同时戏曲观演关系的核心魅力也恰恰在于观众看演员如何“做戏”。由此，叙事节奏、主题立意、舞台技术、音乐配器、灯光布景，都可以在符合规律的前提下积极开展现代化的转型实验，但唱腔的韵味、念白的韵律、身段的功法、虚拟的假定性、行当的逻辑、空灵简约的舞美追求是戏曲的本体底线，若要改，须慎之又慎。

其次，技术与艺术谁为主次——声光电的喧宾夺主。

随着舞台技术的飞速发展，高科技“声光电”被越来越多地运用到戏曲舞台上。全息投影、无人机等科技在带来视觉震撼的同时，也引发了观众对科技“炫技”的质疑。不同于影视艺术对高科技的依赖，戏曲作为一种舞台艺术，其核心价值在于每场演出所产生的即时的情感互动，在于观众走进剧场时所感受到的戏剧化生命体验。艺术为主、技术为辅，看似简单的理论话题放在具体的创作实践中，往往又是难以把握的。其中，戏曲的艺术范畴包括剧本立意、人物塑造、唱腔设计、身段编排，戏曲的技术范畴主要指对灯光、布景、扩音等设备的舞台使用，二者之间，艺术决定“演什么”，技术解决“怎么帮”，因此，技术应是艺术的“放大器”和“扩音器”，而不应成为“干扰器”。反观当下的一些戏曲创作，过分追求大制作，斥巨资搞舞台装置，观众的注意力不但被绚丽的舞台效果夺走，宝贵的想象和留白也被强烈的视听感受填满。当技术压倒艺术、装置大过演员，便走进了本末倒置的误区。对于主次关系的把握标准，就是技术运用是否助力于戏剧主旨的呈现和演员表演的展现，否则再华丽都应摒弃。

最后，要流量还是要沉潜——“粉丝文化”的双刃剑。

当先进的媒介传播手段与传统戏曲相遇，一部分戏曲演员借助网络脱颖而出，打破了长久以来戏曲门前冷落的窘境，为戏曲的现代转型迎来新机遇。一方面，借助网络流量，很多年轻人开始关注戏曲，一些年轻人甚至有了自己的戏曲偶像。另一方面，新机遇引发出新的问题：有多少人因为短视频的惊艳片段愿意走进剧场买票看戏？有多少人通过网络“名场面”开始理解并欣赏戏曲艺术？与此同时，利用流量推广戏曲也引发了更深层面的隐忧：网络的切片化传播，会不会让戏曲陷入娱乐化、碎片化的泥沼？演员“破圈”之后，能否不被流量裹挟而沉潜唱念做表整体修养的提升？从网络到剧场的转化效率是当前面对流量需要重视的问题，流量本身并不可怕，可怕的是被流量裹挟而丢失了艺术初心，最终“成也流量，败也流量”。由此，“破圈”更应沉潜，流量不能反噬，在当前复杂的传播语境下，要警惕演员被流量裹挟，不做过度商业绑定，尽快实现从网络到剧场、从个体走红到剧种发展的转化。借流量之形，传戏曲之神，因为戏曲的生命力最终不在手机屏幕里，而在现实舞台上。

一个不变要义